Publicamos un registro fotográfico de la exposición “El futuro es hoy”, dedicada a las artes visuales en el marco del Funka Fest 2018. La muestra presentó obras de Gabriela Chérrez, Anthony Arrobo, Tayron Luna, Cristian Villavicencio, Dennys Navas, Colectivo Los Plásticos, Maio Alvear, David Palacios, Roger Pincay, Gabriela Fabre y Hamza Kırbaş. La muestra fue curada por Eduardo Carrera, quien gentilmente nos ha compartido el texto de sala que acompañó la exhibición. También publicamos los textos de los artistas sobre sus propuestas.
Agradecemos Catalina Reyes, una de las organizadoras del festival, y a Ricardo Bohórquez por las fotos!
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“EL FUTURO ES HOY”
Exposición de artes visuales – Funka Fest 2018
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La exhibición ‘El futuro es hoy’, presenta un enfoque especulativo que está organizado en torno a dos temas. El primero trata sobre ‘la memoria natural y artificial’ y presenta obras de arte que investigan los sistemas tecnológicos, digitales y biológicos del lenguaje, la materia y la imagen en relación con los recuerdos, la historia, el tiempo, la inteligencia artificial, y las bajas y altas tecnologías. El segundo tema, ‘memoria, materialidad e imaginación artística’, abarca desde narraciones personales que establecen los artistas con el cuerpo, el lenguaje, la naturaleza, la materia y el tiempo basadas en perspectivas y experiencias culturalmente específicas, hasta la experiencia urbana de los sujetos en las ciudades y espacios que habitan.
Haciendo referencia a la letra de una canción de Café Tacvba, el título de la 3ª edición de la exposición de artes visuales del Funka Fest –‘El futuro es hoy’-, pone en cuestión al tiempo y su memoria a través de la selección de un grupo de obras resultado de una convocatoria pública. Al igual que en la canción, las pinturas, esculturas e instalaciones incluidas en la exhibición, hablan sobre el tiempo y el espacio, y nos ubican en un aquí y un ahora en relación a las subjetividades de los artistas. Las 11 propuestas artísticas giran en torno a la nostalgia del pasado y el sueño del futuro, mezclando ideas sobre la memoria que reflexionan con las materialidades y las tecnologías: así emerge la memoria como un horizonte de posibilidades en las que el futuro es proyectado.
Es importante pensar en la memoria más allá de una idea temporal. Cuando nos preguntamos acerca de la memoria, realmente nos estamos preguntando acerca de obras que abordan las ideas contemporáneas de la posibilidad utópica en contraste con las condiciones actuales. Se puede pensar en una memoria emancipada que emerge como la posibilidad para que el presente se sostenga y para que el futuro sea diferente.
La propuesta expositiva en su conjunto busca afianzar el vínculo entre la memoria y la representación de futuros posibles, nexo en el que el arte juega un rol decisivo al construir un contexto sociocultural mediado por la imagen. Las obras cuestionan la construcción discursiva de “narraciones oficiales” al aludir a procesos creativos marcados por la emancipación de la memoria, de la subjetividad, del cuerpo, del tiempo, de los materiales, de los colores, del lenguaje y de las tecnologías.
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Eduardo Carrera
Curador, artes visuales
Funka Fest 2018
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Cristian Villavicencio. Megatherium. Impresión 3D, Cultivo de Bacterias, sistema giratorio, urna de cristal Bilbao – Quito. 2017
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La escultura Megatherium es parte de la exposición Dimensiones Paralelas. El foco central de este proyecto es una investigación sobre la catalogación de archivos históricos y biológicos ecuatorianos realizados desde la colonia hasta la contemporaneidad. Mediante un “remix digital” de especímenes e imágenes, que forman parte de los archivos del Instituto Biológico de la Escuela Politécnica Nacional (Quito), el trabajo propone una narrativa alternativa para entender la relación contemporánea entre arte, ciencia y biología en contexto ecuatoriano. Megatherium propone una revisión y remediación de huellas históricas de los fósiles que componen la escultura. El proyecto refiere así a una memoria y construcción de imagen cientificista y biológica ligada a nuestra historia.
La escultura Megatherium está compuesta por un cultivo de bacterias que crecen aleatoriamente y colonizan una superficie impresa en 3D, realizada a partir de un remix digital del escaneo por laser de fósiles de osos perezosos ecuatorianos extintos hace largo tiempo. La obra tiene una cualidad cambiante por el crecimiento vivo de las bacterias, muchas veces impredecible y dependiente de las condiciones ambientales. El mecanismo motorizado debajo de la escultura, la mantienen girando en un loop non-stop.
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David Palacios. Sehnsuchtlosen. Programación, Impresión digital. Dimensiones varias. 2018
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Las relaciones interpersonales se han complejizado con el surgimiento de las nuevas tecnologías, frente a las cuales toma tiempo adquirir un nivel de consciencia apropiado que nos lleve a un uso mas ético y productivo a nivel personal de las mismas. Las nuevas tecnologías siempre hacen surgir nuevas preguntas y demandan nuevas formas de percepción que requieren de nuevos espacios discursivos.
La inteligencia artificial es un tema controvertido en la actualidad, algoritmos que completan información y generan registros visuales muy precisos de situaciones imaginarias e incluso de personas inexistentes. Para la presente propuesta David Palacios utiliza el algoritmo pix2pix y lo implementa en una aplicación que le permite traducir sus dibujos infantiles en archivos fotográficos.
El dibujo ha sido una herramienta utilizada en el psicoanálisis con el objeto de hacer accesible material inconsciente al paciente, en especial a los menores de edad. Estos nos revelan el estadio infantil (Kinderstadium) en el que la experiencia carece de una lógica acumulativa y se concentra exclusivamente en el crecimiento personal.
Los niños cuando leen un cuento lo hacen suyo, se imagina dentro del mismo y completan la historia con ideas propias, es decir, saben inscribir en estas su propia poesía. Son capaces de crear su pequeño mundo de cosas dentro de uno mas grande, las cuales le transmiten su nombre divino de forma exclusiva y directa. Los niños tienen una relación no jerárquica con la naturaleza dentro de sus juegos y es por esto, que este tipo de aproximación debe de considerarse en la relación entre el hombre y la tecnología, con el ánimo de trascender la idea de dominio de la naturaleza por la de una relación armónica y orgánica.
El objetivo es hacer uso de las tecnologías actuales con el fin de hacer un tanto mas legibles las creaciones infantiles del artista, y así poder rescatar parte de su estadio infantil y recordar esa manera armónica de aproximarse al mundo, de recuperar la confianza en el azar, el juego, la fantasía y de la memoria sin añoranza.
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Roger Pincay. Hemisferio derecho. Óleo sobre lienzo. 200 x 180. 2018
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La pintura de Roger Pincay se titula ”Hemisferio derecho”; usualmente el artista trabaja en gran formato, su obra trata de utilizar el medio pictórico como una herramienta para canalizar imágenes que pertenecen al campo de lo oscuro, imágenes que considera apelan a su memoria individual, que genera desde un programa digital, pero lo resuelve desde el irrepetible leguaje pictórico, cuestionando el plano-fondo-figura desde donde generalmente se plantean las imágenes. La visceralidad en su línea de investigación pictórica tiene dos instancias mediáticas, la del computador y la de sus manos impredecibles. Piensa la pintura como un ejercicio en el que genera imágenes sobre la memoria del artista directo a la realidad bidimensional. Como verter agua de una jarra a un vaso de cristal.
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Los plásticos. Las Meninose.Instalación V.I.P.S. Dimensiones Variables. 2018
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Los plásticos son una banda de noise experimental conformada por un pintor, Pedro Álvarez; un escultor, Daniel León (Palaminga); y un grabador, Christian Proaño; unidos a su vez por el dibujo. Amplifican sus prácticas de taller con tecnologías electroacústicas y cibernéticas. Ponen a circular el trabajo material del artista plástico en su taller para construir instalaciones efímeras con las que pretenden construir espacios públicos: no un lugar de espectáculo sino un lugar de interacción y participación. En cada “tocada” hacen un performance de larga duración de la pieza de John Cage 0”00”, que instruye a los intérpretes a “amplificar una acción disciplinada”, a veces con músicos o noisers invitados.
En la propuesta ‘Las Meninoise’ Si bien Cage funciona como una plano temporal, verticalmente Los plásticos invocan a Velásquez, a su cuadro Las Meninas y al cruce de miradas como medio de transmisión de una memoria afincada en el reconocimiento mutuo entre humanos. Proponen instalar mesas y espacios de trabajo según las ubicaciones simultáneas de Velázquez y las meninas en el cuadro, formando un triángulo de planos. A lo largo del performance de Cage, construirán instrumentos cibernética y electroacústicamente a la imagen de los personajes de Las Meninas, e invitando a unos cuantos modelos previamente contactados a participar usando las esculturas amplificadas. Unos espejos circulan en la situación, reflejando y duplicando las miradas. Al final, se invita a unos músicos-noisers porteños a tocar Las Meninoise en un jam/performance de cierre.
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Hamza Kirbas. ‘AURA’. Neon Light (instalattion). 70 x 100
. 2018
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El concepto de aura es un concepto común y teófilo en todos los seres del mundo. Cada objeto vivo o sin vida en la tierra tiene aura. En este estudio, basado en el concepto de “aura” de Walter Benjamin, la reproducción técnica de la obra de arte junto con las nuevas tecnologías de comunicación hacen que la obra artística pierda el aura. Hamza reproduce el concepto de ‘aura’ con tecnología de luz de neón y el alfabeto ‘Gestuno’, un lenguaje de signos internacional. El tema principal de este estudio es que el espectador puede ver el aura de este trabajo reproducible con las posibilidades de la tecnología y, como resultado, transformar un modelo de comunicación del lenguaje en un modelo de comunicación visual.
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Gabriela Chérrez. Máxima I. Instalación con globos de fibra sintética de poliamida. Dimensiones variables. 2018
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La instalación con un material perecedero, pero que a la vez te remite a la fiesta, sirve para manifestar un enunciado desde mi lugar como mujer, es una afirmación de la búsqueda de placer como postura política
El refrán popular del que me apropio “Prometen y prometen, hasta que lo meten y una vez metido, se acabó lo prometido” es una advertencia, en mi instalación esta frase se convierte en un reclamo.
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Anthony Arrobo. Red drawing. Minas de grafito de color sobre cristal. 237 x 168 cm. 2013-2018
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El proyecto Red drawing toma de base la producción que el artista ha estado desarrollando con respecto a nuevos abordajes en torno al dibujo y la pintura, en la cual ha proyectado una nueva forma de abordaje de las minas de grafito de los lápices mecánicos para hacer dibujos/pinturas donde hay una emancipación del material y el color.
Estas piezas por un lado reflexionan una nueva forma de abordaje del material, proponiendo un sutil quiebre expresivo de uso y función, como si fuese una nueva escritura, radicalmente diferente a la escritura convencional para la que fue construido el material; por otro, pensar de manera pictórica un material propio del mundo del dibujo.
En esta obra, se piensa la memoria como una sutil visita al uso del color en el contexto propio del mundo del arte: los grandes planos de color rojo de Mark Rohtko, The red studio de Henry Matisse; ó Desvio para o vermelho de Cildo Meireles. Red drawing se inscribe en esa genealogía, pensando en la dimensión vivencial del color y cómo entendemos una imagen que en realidad está construida por micro unidades que componen un plano de color, esa distancia que hay entre el fenómeno real (22000 minas de color) y lo que subjetivamente contemplamos.
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Maio Alvear. Campo construcción / construcción campo.Escultura con arena, cemento, postes de cemento para cerco, cerca de varilla en forma de sol, cerca de varilla en forma de plantas, rastrillos con punta de flecha, superficie metálica. 300cm x 100 cm. 2018
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Al llegar a Quito, después de estar en Estados Unidos por casi seis años, Maio Alvear se percató que las construcciones de casas o terrenos aumentaba en el campo periférico a la ciudad. Postes de cemento para cercar propiedades, alcantarillas, casas en construcción y especialmente residuos de esas construcciones. Así mismo, notó como en la ciudad se construía una idea de campo. Cercas con forma de sol o plantas, alcantarillas con forma de astro o varillas para proteger ventanas con diseños de rayo.
Campo construcción / construcción campo es una maqueta de jardín japonés construida con algunas piezas de cemento y hierro que se han utilizado en la construcción de urbes en el Ecuador por varias décadas. A diferencia del jardín japonés, está pieza no trata de evocar la fuerza de la naturaleza, sino la fuerza detrás de la representación de la misma.
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Dennys Navas. Carne y piedra. Acuarela sobre papel. Díptico 114 x 150 cm C/U. 2018
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Este proyecto esta planteado como una metáfora de la vida del ser humano. El ser humano, crece, crea, inventa, desarrolla y puede construir imperios que duraran miles de años, pero todo eso va a desaparecer. El hombre y sus obras tarde o temprano desaparecen mientras que la memoria subyace siempre. “Carne y piedra” plantea una relación de ciudad desde un sentido primitivo, la piedra, el lodo o el barro como indicativo de creación, una vinculación histórica que conecta al ser humando con la naturaleza.
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Tayron Luna G. Clean Up /// Sandeces de muralla.Intervención sobre pared, collage y décollage de pintura látex vinil acrílica /// neón de transición. Medidas variables: Pared: 226 cm (alto) x 198 cm (ancho). Pieza de neón: 110 cm x 110 cm.
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Tayron Luna rescata de las publicaciones callejeras sobre las fachadas repintadas el palimpsesto generado por inserción y sustracción de diversos elementos de propaganda, grafiti y comercio. Posteriormente emula los efímeros conjuntos pictóricos resultantes, fruto de inconciencias de producción artística de las multitudes.
Añade a la composición/intervención trazos luminosos (neón) de caricaturas de Luis Peñaherrera Bermeo, Robín. Caricaturas que se conexionan significativamente con el potencial comunicativo informal que tienen estas murallas.
Un detalle del pasado tanto como del olvido simplemente aparece y resplandece. El acento del palimpsesto es una captura del pasado que refleja que la deriva no es opción, es una reflexión.
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María Gabriela Fabre. Mobiliario para el consuelo.Instalación de mobiliario. Medidas variables. 2016-2018
Hombro. 80 cmts x 20 cmts x 30 cmts. Madera y tela. 2016 / Mueble para pensar. 45 cmts x 40 cmts x 30 cmts. Madera y cemento. 2018.
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Mobiliario para el consuelo, consiste en una serie de muebles, entendiendo al objeto mueble, como un objeto funcional que sirve para facilitar ciertas actividades y usos comunes. Los muebles para el consuelo intentan hacer posible, a partir de sus formas, instancias de consuelo.
Quien te consuela, te entiende, o intenta hacerlo. Los objetos cumplen cada vez más funciones humanas: el tacto, las caricias, a veces no se consiguen de quienes esperamos. Los objetos de esta muestra procuran funcionar como alternativas, son cómodos, sus características ergonómicas se ajustan a nuestro cuerpo.
La propuesta surge en la exploración constante de la artista en espacios propios y ajenos, interiores y exteriores, con la intención de analizar cómo la distribución y la forma de los objetos en estos espacios hacen que las dinámicas tengan sentidos y funciones específicas, y de esa manera pensar – con el cuerpo – otras posibles dinámicas.
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